YASUI TOMOTAKA

Dissipating reality—Tomotaka Yasui’s female figures

Keisuke Mori

Curator, Chiba City Museum of Art

The distance of sculpture

The expression in the eyes of the female figures draws in the gazes of viewers in front of them. With their erect postures and eyes of glittering gemstones, an atmosphere of calm pervades these women. Made using the hollow dry lacquer technique, which involves applying layers of hemp cloth, and covered with delicate mother-of-pearl, Tomotaka Yasui’s sculptures are linked to time-honored traditional Japanese performing arts and have often been discussed in terms of their craft-like affinity with noh masks, Buddhist statues and dolls. Due to the softness of their forms and the restrained color of the white lacquer, they somehow evoke the warmth of the human body. And yet, due to their well-proportioned left-right symmetry, their frontality and their vague expressions, it is difficult to read their character or emotions. For several years, Yasui experimented with eschewing the use of real people as models. For this reason, it seems that his works are not necessarily devoted to visual reproducibility (though after the Tohoku earthquake and tsunami, he reaffirmed the importance of standing face-to-face with actual people, and for his latest work, Misty, a real woman served as the model). Whether he is dealing with real or imaginary figures, the problem of reality that the artist confronts concerning the “existence” of human beings fills the work with ambiguity and uncertainty.

For Yasui, sculpture above all demonstrates the difficulty of giving form to one’s own senses. In thinking about this, what needs to be confirmed at the outset is that any study of humans is also directed at the subject in the form of the person doing the gazing. Yasui was born in Belgium, spent his childhood in Israel and eventually moved to Japan with his parents. One suspects this experience meant that, while he was able to assimilate various cultures and climates around the world, each time he moved he had to suspend having a fixed place for the purposes of understanding himself. Perhaps reflecting this special physical sense, Yasui’s female figures also convey the impression, despite the fact that they stand on their own with both legs firmly planted on the ground, that their very existence is continually shifting from place to place.

Grids—intersecting axes

The anguish of realizing as artworks the perceived world is probably demonstrated more clearly than anything else by the complex changes in Yasui’s methods to date. With chemically synthesized resin as his starting point, he has used various combinations of natural materials and techniques, including lacquer, mother-of-pearl, powdered brass and tin, while in his latest work he has experimented with woodcarving using a 3D plotter. In addition to poplar and Japanese cypress, he has also used acrylic cubes as a material, with constant modification continuing in recent years to address the gap between his senses and his forms. As if rejecting fixedness itself, the axes Yasui attaches importance to in order to regulate his constantly wavering self as well as his subjects are the horizontal and the vertical. Through the repeated intersection of these at regular intervals, he generates consecutive squares, or in other words grids. Variations on a range of grids can be detected in Yasui’s works, including the mother-of-pearl embellishments and cuboid forms that serve as the minimum units of his structures and the polygons and pixels invoked in his virtual spaces.

In recent years he has also experimented with expanding his sculptures further into space. An example is the project conducted in collaboration with an architect and a cabinetmaker in an abandoned house in Takamatsu, Kagawa, called Machi ni aru ie to iu chokoku (A house in a town as sculpture). Inside the building, Chokokuka no ie (Sculptor’s house), countless grids cover the floor and the furnished shelving. The space visualized here indicates a stable territory made up of the floor and wall surfaces that come into contact with the body and relates to the countless horizons and vertically towering rock faces and trees that humans have discovered in nature. Like we humans, Yasui’s female figures are also steeped in an uncertain existence in which they can only guarantee their own existence through the stability of such external environments.

Misty is a wood-carved work to which a thin coating of white paint has been applied based on its analogous relationship with the exhibition space. The title is also suggestive of a figure standing quietly in a misty place with poor visibility, reminding us of situations in which it is difficult to definitely objectify things. In creating the work, Yasui first 3D scanned a woman using specialist equipment before using software to revise at the data level such details as the hair and eyes. The various body parts were then carved out of Japanese cypress wood using a 3D plotter, and these were joined together and painted by the artist. Here, with the introduction of equipment such as the 3D scanner and 3D plotter, Yasui has in mind the complete removal of the artist’s own hands from the creative process. This was a new methodology for the purposes of better placing ambiguous “existence” between “presence” and “absence.” In this creative method, the automation of machinery using digital data becomes an important element of the work, but the clothing that covers the body as if to erase the individual characteristics of the model such as its chest, torso and hands assumes a particularly strong presence.

Clothing = interface

This is not the first time the artist has designed clothing so light it seems as if the model is enveloped in air. It would seem that this interest in clothing was influenced in no small way by Yasui’s mother, who was a textile pattern maker. For example, in the numerous fashion magazines such as Vogue that Yasui saw while growing up, it is the clothing that is imbued with both aesthetic and commercial value. This reversal of the relative positions of clothing and the model’s body would appear to correlate with the dilution of physicality and the foregrounding of the clothing seen in Yasui’s female figures. Here, however, we should probably pay attention to the fact that the clothes covering the models occupy the position closest to the artist’s physical senses. Yasui asserts that for humans, clothing itself is “the first layer of skin.” Hidden in the background of this assertion is a penetrating critical spirit with respect to the view of sculpture in Japan since modern times, which reflected on the origins of life in the depths of the human body and pursued the nude as the very ideal of sculpture.

Clothes, which are located on the outermost position with respect to the body inside in order to protect or adorn it, become a contact surface for the feelings and physical senses such as sight and touch directed at the object. Another term for this is an “interface.” Yasui’s sculptures truly take as their subject the artist, the figure in front of him and the entirety of the “misty” space the envelopes them both, with this surface as a boundary. Another artist who took up as a subject this orientation to the space surrounding the subject and attempted to sculpt the “distance” between the artist and their model was Alberto Giacometti. As the work of someone who does not rely solely on visual reproduction, Yasui’s sculptures come close to the small, slender figures of Giacometti, who tried to express the infinite distance between himself and his models, and deviated considerably from reproducibility. At the same time, there is a decisive difference that separates the two. They are both tactile and visual, but in contrast to the horizontality of the awareness Giacometti directs at the models sitting in front of him, Yasui’s sculptures demand an almost dermal perception that involves the entire surface of the body. But exactly what kind of subject is the mysterious “dissipating existence” that is generated through such perception?

The first clue to answering this can probably be found in the mother-of-pearl, gemstones and lacquer Yasui has used as materials in the past. While they make up the contours of the surface, the luster of the mother-of-pearl in which shells are elaborately shaped and the brilliance of the gemstones incorporate multi-directional and indeterminate qualities that, rather than establishing distinct boundaries, dissipate outwards. In the case of the lacquer, or the sap included in the hemp cloth, too, we should pay attention not only to the reflections of the glossy luster, but to the very chemical reaction related to molecules in the atmosphere during the process whereby it dries over a long period of time.

Surfaces as cave paintings

Isamu Wakabayashi is another sculptor who dealt with the relationship in which the self and the subject are separate yet connected in the space in which they exist. In his 1982 essay “Sakaigawa no hanran” (Flooding of the Sakai River), he wrote as follows about an event he experiences one day when it was raining.

Due to the rain, the surfaces alone of the people and buses I was looking at were emphasized. Moreover, these surfaces acquired density, rendering ambiguous the shapes of the people and buses. In addition to this, the sheets of rain falling between myself and these people and buses made me feel connected to them while rendering the subjects even more indistinct. (1)

In other words, due to the natural phenomenon of rain, Wakabayashi’s attention was drawn to the “ambiguous” surfaces of himself and his subjects, and he further discovered that in space filled completely with water drops, both were related to each other as a “connection.” The question of consciousness that Wakabayashi continued to pursue throughout his lifetime is in fact deeply rooted in his experiences of encountering Paleolithic cave paintings in Europe, and the vast deserts and remains of ancient civilizations in Egypt in the 1970s. The sensation of discovering surfaces of the earth that had accumulated time well in excess of a human life in the form of the traces of lines etched in wall paintings in caves or geological formations, and of being drawn to the “density” hidden behind his subjects, became an indispensable element in Wakabayashi’s subsequent practice. In the ambiguity of contours and of presence observable in Misty, I get a strong sense of an orientation to density that is of the same quality as Wakabayashi’s.

Under the conditions of contemporary society, in which our awareness of “the present” is unceasingly covered in excessive information, Yasui practices with his sculptural work a resistance to this time that passes at an increasing tempo and to this metamorphosing space. As part of this, he superimposes on the surfaces of his sculptures the density of time and space as the “depth” that was once perceived together with humidity and light in various places around the world. The world itself fills these thin surfaces and furthermore forms wide, deep, boundless presences. Perhaps the figures Yasui creates in his search for the depths of a perspective aimed at this overwhelming reality trigger in us a nostalgic feeling like a landscape we have seen somewhere before. However, for viewers to venture further than this is by no means an easy thing. Because, just as cave wall paintings and geological formations were for Wakabayashi, the surface characteristics of the clothes of the female figures at once assume the role of an interface while possessing qualities that anyone can read. At the very moment one tries to venture further into its depths, this surface can turn into a “barrier” to one’s senses. In the context of Yasui’s sincere and unceasing practice, these female figures that have been given form as “mist” stand quietly in the distance in an indistinct place that fills everlasting time and space.

1. Isamu Wakabayashi, “Sakaigawa no hanran” (Flooding of the Sakai River), I.W. Wakabayashi Isamu noto (I.W. Isamu Wakabayashi notes) (Tokyo: Shoshi Yamada, 2004), pp. 182–83.

霧散するリアリティ――保井智貴の女性像について

森啓輔

千葉市美術館学芸員

彫刻の遠さ

正面に立つ鑑賞者の視線を、遍く吸い込む女性像の眼差し。直立する姿勢とも相まって、輝く貴石の瞳を持つ彼女らは、静謐な雰囲気に満ちている。麻布による脱活乾漆の技法や、細やかな螺鈿が表面に施された保井智貴の彫刻は、日本古来の伝統芸能と結びつき、能面や仏像、人形との工芸的な類縁性が、これまでしばしば語られてきた。造形的な柔らかさや、白漆の抑制された色彩からは、人肌がもつ温かさをどこか感じさせる。だが、均整のとれた左右の対称性と正面性、茫漠とした表情から、個性や感情を読み取ることは難しい。保井は、実在する人物をモデルに用いない制作方法を、過去に数年間試みている。このことから、作品は必ずしも視覚的な再現性に委ねられていないようだ（とはいえ、東日本大震災を機に、人物と対峙することの意義を再確認し、最新作《Misty》にはモデルとなる女性がいる）。実在する人物であれ、架空の人物であれ、人間という存在に対して作家が向けるリアリティの問題は、曖昧さと不確かさを作品に充溢させている。

保井にとっての彫刻、それは何より自身の感覚をかたちとすることの困難さを示すものだ。このことを考えるにあたり、まず確認しておくべきは、人間への探求は、翻ってそれを眼差す主体である作家本人にも、向けられるということだ。保井はベルギーで生まれ、その後、幼少期にはイスラエル、やがて日本へと家族とともに生活の場が移り変わってきた。それは、世界の文化と風土の多元的な吸収でありながらも、自己を認識するための定められた場所を持つことの中断を、そのつど余儀なくされた経験ではなかったか。この特別な身体感覚を育んだ保井の女性像もまた、両足をしっかりと揃え、自立しているにも関わらず、存在自体は彷徨い続けている印象を受ける。

グリッド

格子――直交する基軸

感受された世界を、作品として実体化することの苦悩は、これまでの手法の複雑な変遷が、何より証明しているだろう。化学的な合成樹脂を出発点とし、漆や螺鈿、洋金粉や錫粉などの自然素材と技法の複合的使用がなされ、最新作では3Dプロッタによる木彫が試みられた。ポプラや檜以外にも、アクリルキューブが素材とされ、感覚と造形のズレに対する間断ない修正が、近年も続けられている。その定まること自体を拒絶しているかのような保井が、常に揺れ動く自身、さらに対象を規定するために、重視する基軸こそが、水平と垂直である。それらは、等間隔の直交を繰り返すことで、連続した方形、つまり「格子」を生み出す。螺鈿の装飾や、構造の最小単位となるキューブ状の形態、あるいは仮想空間で援用されるポリゴンやピクセルなど、様々な格子の変奏が、保井の作品には認めることができる。

近年ではさらに、彫刻をより空間に拡張する試みも行われた。建築家と家具職人と共同でなされた、香川県高松市の空き家での「まちにある家という彫刻」と呼ばれるプロジェクトである。この建造物《彫刻家の家》では、無数の格子が床や設えられた棚を覆っている。ここで可視化された空間とは、身体に接触する床と壁面による安定した領域を示し、それは人間が自然の中で無数に見出してきた地平線や、垂直にそびえ立つ岩壁や樹木とつながるものだ。そのような外部環境の安定によってしか、自己の存在を担保できない不確かな存在であることに、私たち人間と同様、保井の女性像もまた貫かれている。

《Misty》は、展示空間との相似的な関係から、全身が白一色に薄く彩色されている木彫の作品だ。作品タイトルからも、霧がかった視界のあやふやな場所に、ひっそりと佇む人物を思わせ、確固とした対象化が困難な状況を、私たちに連想させる。本作においては、まず専用の器具で女性を3Dスキャンし、その後ソフトウェアが駆使され、データ上での髪の毛や目といった細部の補正がなされる。そして、3Dプロッタが檜の角材に割り当てられた身体の各部位を彫り出し、それらを作家が接合、塗装していくという過程を経ている。ここで保井は、3Dスキャンと3Dプロッタという機器の導入によって、作家自身の手の介入の限りない消去を目論んでいる。それは曖昧な存在を、より「有ること」と「無いこと」の間に立たせるために、新たに試みられた方法論だ。この制作方法においては、デジタルデータを用いた機器の自動化が、作品の重要な要素となるわけだが、モデルの胸部や胴部、手といった個の特徴を抹消するように身体を覆う衣服が、ひときわ強い存在感を帯びている。

衣服＝インターフェース

モデルの空気を纏うような柔らかな着衣は、これまでも作家によってデザインされてきた。この衣服への関心は、テキスタイルのパタンナーであった母親の影響も少なくないようだ。例えば、日常生活で保井が目にしていた『VOGUE』などの数々のファッション誌では、衣装こそが美的かつ商品的価値を帯びている。衣服とモデルの身体のそのような主客の転倒は、保井の人物像にみられる身体性の希薄さと、衣服が前景化することと相関関係にあるように思われる。しかしここでは、作家の身体感覚に一番近い場所に、モデルを覆う衣服があることに注目するべきだろう。保井は衣服こそが、人間における「第一の皮膚」であると主張する。生命の根源を身体の深奥に見つめ、裸体像をこそ彫刻の理想とし追求してきた、近代以降の日本での彫刻観に対する透徹した批判精神が、この主張には見え隠れする。

内側にある身体を保護、あるいは装飾するため、その最も外部に位置付けられた衣服とは、対象へと向けられた意識や、視覚、触覚といった身体感覚にとっての接触面となる。それは、「インターフェース」と呼べるものだ。保井の彫刻は、まさにその面を境界として、作家とその先の人物、さらに両者を包括する「霧がかった」空間全てを対象としている。そのような空間を含む対象への志向性を問題とし、作者とモデルを隔てる「距離」の造形化に挑んだ作家に、アルベルト・ジャコメッティがいる。モデルとの限りない遠さを表現しようとし、再現性を大きく逸脱した彼の小さく、細長い人物像に、視覚的な再現にのみ依拠しない保井の彫刻は、近接している。一方で、両者を分かつ、決定的な差異もある。それはともに視触覚的であれ、ジャコメッティが目の前に座るモデルに向けた意識の水平性に対し、皮膚的とも呼べる全方位的な身体での認識が、保井の彫刻には要請されている点だ。このような認識を通じて生み出される、謎めいた「霧散する存在」とは、果たしてどのような対象だろうか。

過去に保井が用いてきた螺鈿や貴石、あるいは漆といった素材に、その第一の手がかりは認められるだろう。貝殻を細密に造形化した螺鈿の光彩や、貴石の輝き、それは表面の輪郭でありながら、明確な境界を成立させるというよりも、むしろ外部へと拡散していく多方向で不確定な性質を含んでいた。麻布に含む樹液である漆も、艶やかな光沢の反射のみならず、長時間かけて進む硬化の過程で、空気中の分子と結びつく化学反応にこそ、目を向けるべきだ。

表面、洞窟壁画として

若林奮もまた、自己と対象が実在する空間で隔たれ、結び付けられる関係を主題とし続けた彫刻家だ。1982年の「境川の氾濫」という文中で、若林はある雨の日に体験した出来事を、次のように記している。

　自分が眺める人間やバスは、雨によってその物の表面のみ強調することになった。しかも、その表面は厚みを持って、人間やバスの形をあいまいなものにしたのであった。それに加えて自分と人間やバスの間の無数の雨は眺める対象をさらに不明瞭にしながら、自分とのつながりを持たせるものとしてそこにあった。（註）

雨という自然現象によって、自己と対象それぞれの「あいまいな」表面を注視し、さらに隈なく水滴が満たす空間上で、両者が「つながり」として関係付けられていた事実を発見した若林。彼が生涯にわたり、探求し続けた意識の問題は、実のところ1970年代にヨーロッパで旧石器時代の洞窟壁画、そしてエジプトでの広大な砂漠や古代文明に触れた経験が、深く根ざしている。洞窟壁画に刻まれた線描の痕跡、あるいは地層として、人間の生を遥かに超える時間を堆積させた地表を発見し、対象の背後に潜む「奥行き」へ惹かれていった感覚は、以後の若林の制作にとって、必要不可欠な要素となった。この奥行きとは、別の言葉に置き換えるならば、時間と空間の「厚み」といえるだろうか。《Misty》において見られた、輪郭と存在の曖昧さには、この若林と同質の厚みへの志向性が強く感じられる。

「現在」への認識が、過剰な情報に止めどなく覆われていく現代社会の状況において、保井はその加速度的に流れ去る時間と、変容する空間への抵抗を、彫刻の制作において実践する。その時、かつて世界のさまざまな場所で、湿度や光を伴って感得した「奥行き」としての時間と空間の厚みを、保井は彫刻の表面に重ね合わせていく。世界そのものがその薄い表面を満たし、さらに広く、深く、茫洋な存在をかたちづくること。この圧倒的なリアリティに向けられたパースペクティブの深淵さを求める保井の人物像は、いつかどこかで見た風景のような懐かしい感覚を、私たちに生起させるかもしれない。しかし、さらにその先へ鑑賞者が踏み込むことは、決して容易ではない。なぜなら、その女性像の衣服の表面性とは、若林にとっての洞窟壁画であり、地層であったように、インターフェースの役割を担いつつも、誰もが読み取れる性質を持ち合わせていないからだ。深淵のさらに奥に踏み入れようとするまさにその時、感覚に対しての表面は、「障壁」ともなりうるだろう。誠実かつ飽くなき実践の中、「霧」としてのかたちを与えられたその女性像は、悠久の時間と空間を湛える朧げな場所において遠く、静かに佇んでいる。

註

若林奮「境川の氾濫」『I.W 若林奮ノート』書肆山田、2004年、pp.182−183

尾形絵里子

高松市美術館学芸員

保井智貴は〈人と自然との共存〉をテーマとし、主に人物像を用いて〈人が佇む時に生まれる空気感〉を表現する。2001〜17年までは乾漆像を制作していたが、19年から3Dデジタル技術を用いた木彫作品に取り組んでいる。

　人が纏う〈空気感〉―それは「空気と光、記憶と予感、過去と未来、人と自然、自己と他者など、多くの関係が絡みながら生まれる時間のようなもので」、不可視で絶えず揺れ動くものであるだろう。乾漆像で用いられた漆は、ウルシの木の幹から採取した樹液を精製したものであり、分子が空気中の酸素と反応（酸化重合）し硬化する。このような目に見えない自然の摂理を用いることで、保井は目視できない存在を実体化しようと試みてきた。しかし、この手法では意識にある〈空気感〉と造形の差異を解消できないと感じ、ひいては〈空気感〉は「そもそも完全に掴むことのできない茫洋とした存在」であると認識を改めたという。上記を背景として、保井は自身の感覚に依拠する曖昧な存在を、無機物による客観的な方法で再現しようと試みた。《Misty》や新作《Next》ではモデルとなる女性を3Dスキャンでデータ化し、5センチ角の木材を組んだ塊から3Dプロッタで身体の各部位を彫り出している。

直立姿勢の際、平衡を保とうと身体には微妙な揺れが生じている。対象と空間との境目が変化するために、機械はスキャン中に何度もエラーを起こし、その都度補正を行う。そのモニタ画面に表示された造形は、数値化された縦と横に並べられた光の点、ピクセルである。質量や重力の存在しない仮想空間が「有るけれども無い。捉えようとしても掴めない」という自身の感覚に近似していると保井はいう。最後に仕上げとして、対象の〈空気感〉を想い起こしながら自らの手で彫刻、接合し、塗装を施す。木彫作品は、見たままに彩色された乾漆像と異なり白一色に彩色されており、人を見た後に意識に残っている残像、意識に留められた記憶そのものを表現しているように思える。

そのような茫漠とした存在を規定するため、保井は空間の基軸として重力の働く方向〈垂直〉とそれに直交する方向〈水平〉の関係性を重視し、それらが等間隔に交差すると表れる四角形―格子を作品に多用している。例えば、《sign》や《pillar of light》における螺鈿の意匠、《Misty》や《Next》に援用された仮想空間のピクセル、さらには、対象の着用する衣服そのものからも見てとれる。衣服は経糸〈垂直〉と緯糸〈水平〉で織りあげられ、「対象へと向けられた意識や、視覚、触覚といった身体感覚にとっての接触面」、対象と空間の境界線でもある。《next》では、若い女性が1枚の大きな布を首から膝上まで纏っており、襞は重力に従い放射線状に広がっている。《Misty》と比較したとき、体躯が希薄となり衣服の存在感が増しているのは、対象に対する意識の手がかりとして役割が高まっている証拠であり、今後更なる発展を予感させる。

香川にゆかりのある保井は、香川県高松市仏生山町近くにアトリエ《彫刻家の家》を構える。活動拠点である東京の街並みが次第に画一化されていると感じ、異なる空間で作品について思考しようと考えたことがきっかけである。保井はアトリエを構想の場としてだけではなく、それ自体を彫刻作品と捉える。建物は人の生活に即して〈垂直〉と〈水平〉を基準に構築されることから、人体の拡張ともいえる。人物像を建物に置換すると、その〈空気感〉すなわち町並みには、草花や樹木〈垂直〉、そこから伸びゆく地平線〈水平〉が広がる。こうして、保井の意識は、人と空間の関係性―〈内〉から、建築や自然物と空間の関係性―〈外〉へと拡張しているのだ。

本展においては、〈内〉である会場で、鑑賞者は人物像や映像《私と庭、家と町、あなたと何か》を観る。本作はアトリエの裏庭から臨む景色を記録したもので、ミカンやツバキの向こう側に広がる田園が、宅地造成により埋められていく様子を映し出す。映像を契機として、〈外〉である《彫刻家の家》に辿り着き、（もしかすると東京と同じ一途を辿るかもしれない）移り変わりゆく町並みを眺める。〈内〉から〈外〉へ、作家同様に空間に内在する物事や事象に対して意識の拡張を体感したであろう。

『保井智貴佇む空気/silence』彫刻の森芸術文化財団彫刻の森美術館、2014年、p.25.

森啓輔「霧散するリアリティ―保井智貴の女性像について」、『Misty』void+、2019年、p.2.

Standing erect – Yasui Tomotaka’s Female Figures

Takeshi Ishizaki

Curator, Aichi Prefectural Museum of Art

Standing female figures made from dried lacquer. Aside from his smaller works and some seated figures, this is the main characteristic of Yasui Tomotaka’s work. But at the same time, this explanation also reveals the extent to which this is distinctive of Yasui’s work as sculpture.

At first glance these figures, which stand in an upright position in relation to the ground, can be understood to embody the essence of sculpture as a resistance of gravity. However, in the history of sculpture, almost no works can be found that assume such an erect and immobile posture. What comes directly to mind are the Kouroi, the term given to Greek sculptures of the Archaic period that depict nude male youths; and the Korai, statues dating from the same period that represent clothed female figures. In either case, it is speculated that they are offerings to gods, or sculptures that were enshrined in the tombs of the departed, but in respect to the extended left leg of the Kouroi, the figures are not, in the strictest sense of the term, standing erect. While the spacing between the legs is only slight, even this is a significant distinction between pause and motion. The Korai, on the other hand, are seen for the most part holding something in their hands, a posture that doesn’t signify a figure standing to attention. Once we reach the Classic period that follows the Archaic Period, figures standing in contrapposto, a term used to describe a pose where the weight of the body is placed on one leg, becomes the norm in expressions of the human figure. In other words, an erect posture essentially came to be the antithesis of the standard.

Giacometti is arguably the first figure to clearly break away from this long-enduring standard. As a result of cutting away superfluous elements to the utmost limit, his human figures are simplified to the point where they resemble stakes, the harshness of existence suspended within the tall, elongated material forms. However, while being self-contradictory, it is precisely because there is a hidden manipulation of the axis within the violent modeling, discernible in the slight tilt of the neck, or difference in height between the left and right breasts, that an extremely subtle control of the posture exists. On the other hand, if we turn our eyes to Japanese Buddhist sculpture, while Buddhist statues up to the Asuka period basically assume an erect posture when seen from the front (with the exception of the hands), statues from the Hakuho period steadily begin to deviate from left-right symmetry, and contortions in the body start to be incorporated.

When looking back at the history of sculpture in this way, it is possible to say that the erect posture Yasui consistently adopts is a simple and modest expression typical of a time before standards in sculpture were established both in the West and in Japan. Observed anew after such reflection, Yasui’s works are not concerned with the minimizing of volume as with Giacometti, but are sculpted forms that connect with tangible human figures whose erect posture— uncommon both in the history of sculpture and in daily life in general—gives his female figures a decisiveness that rejects artifice.

What I read in these works by Yasui is a sense of transcending a certain kind of period. Imagine, for example, the scene of people in a crowd who, unable to advance even one step, stand unmoving. If, among the hasting crowd, there were someone looking on steadily at this event, whether or not it would leave a strange impression, the scene in itself would unquestionably be suffused with a powerful message: that while one’s existence is asserted through the act of standing, there is also a necessity to stand still and reconsider.

Yasui uses lacquer, a material that slowly transforms, in order to insert his work in a time axis different from that of the real world, but this leads it to a universality not bound to “now, here”. Un-retrievable in any specific period, and with bodies wrapped in garments that can be said to originate from the cosmos, his figures continue to stand silently in the same spot, as if trying to tell us something.

直立すること―保井智貴の女性像について

石崎尚

愛知県美術館学芸員

　乾漆で作られた直立する女性像。これが小品や一部の坐像などを除く、保井智貴の作品の特徴だ。だがこの説明は同時に、いかに保井の作品が彫刻として特殊なものかをも表している。

　一見、地面に対して真っ直ぐに立つ姿は、重力に抗おうとする彫刻の本質をこの上なく体現しているようにも思える。けれども彫刻の歴史において、直立不動の作品というのは実はほとんど存在しない。真っ先に思い浮かぶのはギリシャ彫刻、アルカイック時代のクーロスと呼ばれる青年の裸像、そして同時代のコレ―という着衣の少女像だろうか。どちらも神への奉納、あるいは死者を祀るための墓の彫刻ではないかと推測されているが、クーロスは左足を前に出している点において、厳密な意味での直立ではない。この足の示す歩幅はわずかだが、それでもなお静止と動きを大きく隔てている。一方、コレ―の方はおしなべて手が何かを持っている場合が多く、こちらも「気をつけ」の姿勢をしているわけではない。やがてアルカイック時代の次のクラシック時代になると、コントラポストと呼ばれる片方の脚に体重を乗せて、体を曲げたポーズが人体表現の規範となっていく。つまり直立不動の姿勢は、基本的には基準に反するポーズとなったのだ。

長い間続いたこの規範を明確に打ち破ったのはジャコメッティだろう。彼の作品は無駄な要素を極限まで削り取っていった末に、人物は一本の杭に見紛うばかりに単純化され、細長く伸びた物質の中に存在の厳しさを漂わせている。しかし逆説的ながら、ジャコメッティの作品においては、わずかながら傾けられた首や高さに違いのある左右の乳房など、あの荒々しい肉付けの中に隠された軸線の操作の中にこそ、ごくごく微細な体勢のコントロールがあるのだ。一方で日本の仏像彫刻に目を転じてみると、飛鳥時代までの仏像が（手を除けば）基本的に正面から見たときに直立不動の姿勢を取っているのに対して、白鳳時代以降は徐々に左右対称を逸脱し始め、体のひねりなどが取り入れられるようになっていく。

　こうして彫刻の歴史を振り返ってみると、保井が一貫して採用する直立不動のポーズは、西洋においても日本においても、彫刻の標準的な表現が定着する以前の、簡素さや素直さを残していた時期の作品に典型的な姿勢だということが言えるのではないだろうか。それを踏まえた上で改めて保井の作品を観察すると、ジャコメッティのようにヴォリュームが極小化されているわけではなく、具体的な人物に結び付きそうな造形でありながら、彫刻史においても、あるいは一般的な日常生活においても稀有な直立不動の姿勢が、女性像に小細工を排した潔さを与えている。

　そのような保井の作品から筆者から受け取るのは、ある種の時間を超越した感覚である。例えば、雑踏の中で一歩も動かずに直立し続けている人の姿を想像してみてほしい。周りが一刻を争うように移動する中で、じっとこちらを見つめている人がいたならば、恐らくそれは奇異な印象すら与えるであろうが、その姿は何も言わずともそれ自体が力強いメッセージに満ちている。それは立つことによって自分という存在を主張するとともに、立ち止まって再考することの必要性を訴える。

保井は漆というゆるやかに変化する素材を用いて、実社会とは異なる時間軸を作品に導入しようとするが、それは「いま、ここ」に縛られることのない普遍性へと作品を導くことになる。特定の時代に回収されえない、宇宙的とも言いうる服装に身を包みながら、彼女たちは今日も静かにそこに佇んでいるのだ。私たちに何かを言いたそうに。

Tomotaka Yasui:

What the Never-Closing Eyes Continue to See Forever

Hitoshi Nakano

Curator, Kanagawa Arts Foundation

Uguisu no / mi wo sakasama ni / hatsune kana

Its first note; / The uguisu / Is upside-down.

Kikaku Takarai

(Transl.: R. H. Blyth, HAIKU vol. II Spring, Hokuseido, 1950, p.178.)

Frozen with his eyes left wide-open, a boy spends two thousand years in the cockpit of a tiny plane that sank in the sea. What is more, during that time, mankind ceased to exist. This is a scene from A. I. Artificial Intelligence (released in June 2001), a film directed by Steven Spielberg, which portrays the existence and relation between human beings and robots on the future earth. The young Haley Joel Osment’s fine performance as David, the robot boy, became the topic of conversation for a while.

I quoted a haiku (Japanese poem) by Kikaku Takarai, who is known as one of the ten great disciples of the haiku poet Basho Matsuo at the beginning of this essay. This might ring a bell for those of you who are familiar with Japanese films of the 1970s. This poem appears in Gokumonto (The Devil’s Island), a novel and film by Seishi Yokomizo (published in 1971, the film directed by Kon Ichikawa in 1977) based on the murders of three sisters and depicting complex patterns of human relationships in the society before and after the Pacific War. The look of one of the slain sisters, Hanako, who had her legs tied up with a sash and was hung upside down from an old plum tree in the precincts of a temple, with her eyes wide-open had a horrifying impact. The glaringly vivid look of the murdered girl I saw as a schoolboy is still registered in my memory.

With the eyes of a robot and a dead person as the preface to this text, let us examine the world induced by the “eyes” in Tomotaka Yasui’s three-dimensional works.

The first works by Yasui I saw were calm and Recalling Spring, which were on show at the exhibition, Meguro Addresses: Artists in Urban Life, held at Meguro Museum of Art, Tokyo in 2012. While many of the exhibits were two-dimensional works exhibited on the walls by artists such as Tomoki Imai, Yukiko Suto, and Shimon Minamikawa, Yasui’s three- dimensional works were very eye-catching in the gallery.

Calm consists of two female statues. Slender deep green legs stretch down to the floor and the skin-colored torsos show a refreshing view of the hills and fields where the green legs seem to have advanced and become leaves of plants. And leaves made of mother-of-pearl flutter gently in the upper part of the body trying to fade into the green leaves. This is an aspect of nature set within the composition of a human body. The two women, who could be regarded nature itself, gaze quietly and diffidently at the outside world. Look at their “eyes” gazing at the outside world. The most well-known

sculptures made as a pair in Japan would be the Kongorikishi (guardian statues) at Todaiji in Nara. To name another pair by the same sculptor, Unkei, who was considered the greatest sculptor of Buddhist statues in the Kamakura period, there are the wooden statues of the brothers Mujaku and Seshin, which are said to be his chefs-d’oeuvre. The wrestlers’ eyes open wide in a glare to protect Buddha from devils or evil spirits and the limpid eyes of the venerable priests who have mastered Buddhist doctrines and are staring fixedly at the “truth”—Many sculptors have hitherto worked on representation of the human body and it appears extremely difficult to capture the expression of the eyes, which contain factors that represent everything including a person’s emotion, individuality, and personal history.

In studies and interviews with the artist, the works by Tomotaka Yasui have hitherto been discussed mainly from the three points of their atmosphere or impression, technique, and material with reference to their

“tranquility,” “serenity,” “flow of time,” “aerial feel,” and “kanshitsu (dry lacquer),” “urushi (lacquer),” or “mother-of-pearl.” In other words, his works do not approach us by means of an intentional, artificial act aiming at a certain purpose. Instead, they exist in that space as if they were there naturally and confront us gently as if blending together. I cannot help feeling that the tender expression, which might be called the Yasui style, of the eyes he creates is significantly involved in this.

Three years after my first meeting with Yasui, in May 2015, he and I attempted an exhibition of his works for the first time at Kanagawa Arts Theatre (KAAT). We planned an exhibition of four works, one in the Middle Studio, two in the ground floor open space in the Atrium, and one in the corridor in the upper part of the vast Atrium which connects the Main Hall and the Large Studio on the sixth floor. As the title Totsuzen (Sudden) Museum 2015 suggests, Yasui’s works emerged abruptly in a location which was not a White Cube facility to exhibit art.

What did David in A. I. continue to look at for 2,000 long years with those frozen eyes? What did the three sisters in Gokumonto see just before or after their death? When we look at the three-dimensional works created by Yasui, beyond where the eyes are looking, there is an insecure, unclear world in which neither time nor air are flowing. Surely I am not the only one that feels as if I am floating in that mysterious world (space).

The space I was given to curate an exhibition of Yasui’s works was a theatre, a facility which is not normally accustomed to the visual arts. The reason I wanted to insert (display) Yasui’s works there was that I felt an impulse to put two contradictory elements against one another. Making free use of a variety of machines and human techniques, the world on stage presents concrete images in which day alternates with night, the ocean and gigantic mountains are reproduced, and miscellaneous scenes from the interior of a modest commoner’s house to the solemnly celestial realms extending above the clouds are created. In contrast, Tomotaka Yasui’s world exists faintly in nature, inducing an uncertain impression.

The eyes of the robots, the dead, and Tomotaka Yasui’s works— what are those eyes staring at? While thinking about the answer to this question, we, the viewers, fall into the impression we get after having read Yabu no naka (In a Grove) by Ryunosuke Akutagawa. Who is the culprit? What is the truth? Despite being unable to ascertain the facts, we sense romanticism and are fascinated by the act of continuing in search of the truth.

保井智貴

閉じることのない眼に永遠に映り続けるもの

中野仁詞

神奈川芸術文化財団キュレーター

うぐいす

鶯の身を逆さまに初音かな　　　宝井其角

　凍りついた少年は、眼（まなこ）を見開いたまま、海に沈んだ小さな飛行機の操縦席で 2000 年もの年月を過ごす。しかも、その間に人類は滅亡していた。このシーンは、未来の地球での人間とロボットの存在や関わりを描いたスティーブン・スピルバーグ監督作品《A.I アーティフィカル・インテリジェンス》(2001 年 6 月公開)の一コマである。ロボットの子どもデイビットを演じたのは、幼少のハーレイ・ジョエル・オスメントでその好演が一時話題になった。

　冒頭に、俳人松尾芭蕉の 10 人の弟子、蕉門十哲の一人として知られる、宝井其角の俳句を引用した。1970年代の日本映画に詳しい方は、ピンとくる方もいよう。3 人姉妹の殺人事件を題材に太平洋戦争前後の社会を背景とした複雑な人間模様が書かれた横溝正史の小説・映画《獄門島》(1971 年発行、映画は、1977 年市川菎監督版による)にこの句は、登場する。殺害された姉妹の一人花子が、寺の境内の梅の古木に足を帯で縛られ逆さまに吊るされ、かっと目を見開いている形相は、恐ろしく迫力がある。小学生であった筆者は、殺された娘の鮮烈な目の表情を今も記憶に止めている。

　ロボットと死者の目をこのテキストの前置きとして、保井智貴の立体作品にある「目」から導かれる世界を検証してみよう。

　筆者が初めて拝見した保井くんの作品は、目黒区美術館で開催された「メグロアドレス—都会に生きる作家—」展(2012 年)に出品された《calm》、《繰り返して春》だ。今井智己、須藤由希子、南川史門など壁面に展示されている平面作品が多いなかで、保井くんの立体の作品は展示室でとても目を引く存在であった。

　2 体の女性像をもって一つの作品となる《calm》。深い緑の足がすらりと床まで伸び、肌色の上半身は、その緑が進出したように植物の葉となり野山の清々しい光景を映し出している。そして、螺鈿で作られた葉がふわりと身体の上を舞って、緑の葉と溶け合おうとしている。人体の構図の中にある自然の姿。自らが自然そのものともいえる二人の女性は静かに、慎ましやかに外界を見つめている。その外界をみつめている彼女たちの「目」。彫刻作品として我が国の代表とも言える2体で一対をなす作品としては奈良、東大寺の《金剛力士像》がつとに知られている。そして、同じ作者で鎌倉時代、当代随一と言われた仏師運慶がその生涯において頂点を極めたと言われる傑作《無著》、《世親》の師弟の木像もある。仏を邪鬼、悪霊から守るべくかっと見開いた力士像の目、そして、仏教の教義を極め「真理」を見据えている透き通った高僧の目。これまで多くの彫刻家が人体の表現に取り組むなかで、人の感情、個性、経歴など全てを表す要素を持つ目の表情は極めて難しいと考えられる。

　保井智貴くんの作品についてこれまでの論考や作家へのインタビューでは、「静謐」、「静けさ」、「時の流れ」、「空気感」、そして「乾漆」、「漆」、「螺鈿」という作品の雰囲気と印象、技法、素材の3つが主に語られている。つまり、ある目的に向かって働きかける意図的、人口的という行為から繋がっていくものではなく、彼の作品は展示されるその空間に自然にあるかのように存在し、そこにいる鑑賞者であるわれわれと緩やかに対峙し溶け合うようなものなのだ。そこにも、保井スタイルと言ってよいだろうか、柔らかな彼が創り出す目の表情が大きく関わっているように感じてならない。

　保井くんの作品と初対面から 3 年後、2015 年 5月、KAAT 神奈川芸術劇場で作家と筆者は作品を初めて展示を試みた。中スタジオの中に一点、アトリウムの1階広場に2点、そして広大なアトリウムの中にあり6階のホールスタジオ間を結ぶ渡り廊下に 1 点、計 4 点の展示となり、この展覧会「突然ミュージアム 2015」というタイトルが示す通り、ホワイトキューブという美術展示施設ではない場所に、突然として保井の作品が出現したものであった。

《A.I 》のデイビットは、2000 年もの間、凍りついた目で何を見続けてきたのか。死の直前あるいは死後、《獄門島》に登場する3姉妹は何を目にしたのか。われわれは、保井智貴の手になる立体作品を鑑賞する際、その目が見つめる先に、不確かで不透明で、時間や空気の流れもない世界があり、われわれはその不思議な世界(空間)に浮遊しているかのように感じるのは、筆者だけではないであろう。

　筆者が初めて保井くんのキュレーションをするにあたり与えられた劇場という一般的に美術には馴染みのない施設と空間。そこに保井くんの作品を挿入(展示)したかったのは、昼と夜を交互にする、大海や巨大な山を再現する、慎ましい庶民の家の室内から雲の上に広がる荘厳な天上界までを作り出すなど、様々な機械、人の技術を駆使することにより、具体的に示される舞台上の世界と、自然のなかで朧げであり、不確実な印象を導く保井智貴の世界という、相反する二つの要素をぶつけてみたかったからだ。

　ロボット、死者そして保井智貴の作品の目。その目が見つめるものは、何なのか。その答えを考える時、鑑賞者であるわれわれは、芥川龍之介の《藪の中》を読んだ後の印象に陥る。犯人は誰か、真実は何か。われわれは、それらの事実が解き明かされないまま、それを探し続けるというわれわれの行為(予測)にロマンを感じ、魅了されるからなのだ。